НОВИНИ

Оригиналният еквалайзер EQP-1 е създаден през 1951 г. от Pulse Techniques. Компанията е създадена от Ollie Summerland и Gene Shank в Teaneck в Ню Джърси, САЩ. Град Teaneck е нещо като легенда в звукозаписа, тъй като това е и градът, в който Les Paul (съ-дизайнер на класическата китара на Гибсън) създава първото в света многоканално звукозаписно студио. Summerland и Shank са направили първите а след това и една от първите модификации по дизайна на оригиналът Pultec EQP-1A, който остава в производство в последствие за около 30 години.

Този уникален по рода си еквалайзер отдавна е “почетен член” на легендите в студийното оборудване. С исторя повече от 60 години той е бил използван още преди да се появи рокендрола. 

В светът на професионалния аудио звукозапис има два вида еквалайзери. 
Едните са тези, които не искате да чувате в действие (корективни или т.нар “хирургически” еквалайзери), и тези които бихте искали да използвате за “оцветяване”, придаване на характер и оформяне на звука.

Именно от тях е еквалайзерът EM-PEQ на A-Design. Той притежава магическата способност да “подобри” почти всеки аудио сигнал минавайки през него. 

След задълбочени изследвания и разработки американската компания A-Design пусна в началото на 2007-ма година компактният модел (серия 500) EM-PEQ.  В него те са “уловили” същността и характера на оригиналния EQP-1A. 

A-Design EM-PEQ запазва дизайна на EQ секцията, контролният панел и чудесната “мека музикалност” на оригиналния Pultec.

Два от тях са вече част от оборудването на RENEWSOUND studio productions. Видео ревю-то е направено с тях. 

Двуканален параметричен еквалайзер API 5500 @ RENEWSOUND studio productions, аудио звукозаписно студио в София.

API 5500 е базиран на основата на един от най-музикално звучащите еквалайзери в мизикалната звукозаписна индустрия API 550. Проектиран от основателя на Automated Processes Inc. Саул Уокър. Дизайнът на веригата 550 – през 60-те години на миналия век, както и изцяло дискретният усилвател клас-A / B 2520 са използвани и тук. Всъщност API 5500 е възможно най-близък до оригиналните 550B модули на API.

API 550B X 2 =  API 5500

Сметката е лесна, но … 5500 е нещо повече … ?
В 5500 има два 4-лентови API 550B еквалайзера, монтирани един до друг. Но нова полезна опция разширява възможностите на 5500, като дава възможност за манипулиране, като променя стъпките за усилване / намаляване от първоначалните 2 dB на стъпки от 1 dB или 0.5 dB. Тези допълнителни диапазони са точно като 550 вариантите, които са били по поръчкови модели използвани за мастеринг: API 550D с стъпки ± 1dB и 550M с стъпки ± 0.5dB.

Ето защо API 5500 е много често ефективно използван и като мастеринг еквалайзер.

Можем да кажем, че API 5500 е своеобразна  “Нова класика”.  Еквалайзера е подходящ и намира много добро приложение при записване на стерео аудио материал, където прецизно подбраните и съчетани като стерео двойка еквалайзери на API вършат чудесна работа.

Разбира се може да бъде използван и като два отделни незаписими еквалайзера. Дори може да бъдат използвани последователно при необходимост. Незаменима опция е да оформите звука на китарата, перкусия и каквото решите още при записа.

Освен за тракинг, API 5500 може да бъде използван и на бус за оцветяване и оформяне на звука. Както и по-рано казахме за мастеринг този модел присъства в риговете на повечето специализирани студиа за мастеринг.

Полезна опция е възможността звука да мине през устройството без да бъде активен еквалайзера. Тогава BYPASS не е активен а сигнала минава през веригите на еквалайзера. Дори и без настроени честотни корекции сигнала леко се “оцветява”. Това е възможно посредством IN бутоните на всяка от секциите. BYPASS бутона изключва устройството от веригата без да “оцветява” аудио сигнала.

Освен стандартните 28 честоти, които могат да бъдат коригирани в стъпки по 0,5, 1 или 2 dB посредством 4-те канала на всеки от двата модула на еквалайзера има опция ниските и високите честоти да функционират вместо “камбана” като шелф.

Този уникален еквалайзер вече е незаменима част от оборудването в нашето аудио звукозаписно студио.

Написахте страхотна песен!  

Супер!

Развълнувани сте от това и смятате, че се е получила много добре. Има реален шанс да стане хит. Да я включат като саунд трак към някой филм.
Това е чудесна новина!

Сега трикът е да сте сигурни, че си задавате правилните въпроси както към вас, така и  към другите преди да похарчите доста пари за записа и реализацията на песента.

Ето и 6 въпроса, които е добре да получат отговор преди това.

1. Готови ли сте да правите това професионално?Това звучи като ненужен въпрос, знам, но особено в началото при творците има тенденция да се опитат “да минат напряко”.  Предприемат по-кратък път към Демото често с доста аматьорски звучащ резултат. Защо бихте искали да компрометирате страхотна песен с посредствено демо, само за да спестите някаква сума? Най-добрият цитат по този повод е: “Евтиното накрая се оказва скъпо!” Или трябва да сте прекарали достатъчно време в експерименти, за да станете експерт инженер, инструменталист и певец в собственото си студио, или трябва сериозно да обмислите използването на професионално студио, музиканти и вокалисти. Ок, вие решавате. Има такава максима, че човек е толкова голям, колкото са големи мечтите му. Ако пренесем това към вашата песен … разбирате на къде бия 🙂

Аз лично не разбирам смисъла на това да се направят некачествено “само за да ги има”. Та нали това е основното нещо, което ви мотивира и осмисля живота ви. Тогава защо да го “претупвате”? Вярвате ли в това, което правите? Една зле записана идея, която не разкрива нюансите на песента, е лоша идея. Докато обратното е доста разпространено дори в света на големия музикален бизнес. Не сте ли чували парчета, които не са нищо особено, но “звучат”. Е това е вашият шанс. Дайте всичко от себе си и направете най-доброто за песента си! Това помага и на вас да се изградите и докажете като творци. Представете си ситуация, в която предстои да пуснете демото на някого, чието мнение е важно са вас. Ако е с компромис в изпълнението и качеството … ще се наложи да се оправдавате, докато иначе просто ще очаквате реакцията му. В последствие тази реакция, ще ви мотивира и даде стимул да продължавате още по-устремено в тази насока. А какво друго ви е нужно?

2. Завършена ли е напълно песента ви?
Знам, че този въпрос звучи като друг на пръв поглед ненужен. Доста често творците влизат да записват песен в звукозаписно студио с недовършени текстове или недоразвити мелодии. Разбираемо е! Вълнуващо е, когато сте написали песен и искате да я запишете, чуете и представите на света възможно час по-скоро. Смятате, че можете да променяте текста или аранжимента си в студиото. Според мен звукозаписното студио е абсолютно неправилното място, където да опитате да завършите песента. Няма нищо по-стресиращо, от това да се опитвате да творите, когато плащате за прекараното време за записи. Направете си услуга и се уверете, че мелодията, текстът и структурата на песента ви са напълно завършени преди да планирате запис на демото си в звукозаписно студио.

3. Вашият текст дали е готов на 100%?
Често, в периода между завършване на текста и записване на песента като демо, текстът претърпява още няколко незначителни или понякога по-големи промени. Отделете време, за да сте сигурни, че всяка дума на листа ви е това, което искате да бъде изпято в песента. Най-малкото ще загубите ценно време в студиото, ако се наложи до го променяте там. В случай, че не се обърне внимание на това в аванс, вокалът може да изпее неправилен текст и да се наложи да го наемете отново за нов запис. За щастие, този проблем може лесно да се избегне чрез двойна и тройна проверка на последния текст.

4. Имате ли “груб” запис на финалната версия на песента си?
Под “груб“ запис разбирайте, който сте направили с телефон, диктофон, лаптоп или каквото сте имали под ръка. Запис, който е с финализираната версия на текста, аранжимента и акордите на вашата песен. Това обикновено се прави с един инструмент и се пее от автора при домашни условия, след като песента е завършена като идея. Както вече казах, няма награда “Грами” за най-добър „груб“ запис, така че не се притеснявайте за това. Причината, поради която това се прави, е когато използвате музиканти за сесията, те да имат представа предварително какво ще правят в студиото. Евентуално да заучат своите партии и да имат време “да дадат нещо от себе си”.  Винаги е по-добре да имате запис в аванс, макар и записан само с телефона, отколкото да разчитате да представите на музикантите песента си в студиото. Последното не е изключено, но вероятността да имате притеснения от различен характер и това да повлияе на предаването на емоцията на песента е много възможно. Изумително е как забравяме, когато сме в такива ситуации. Придържайте се към „грубия“ си запис.

5. Имате ли убедителна причина да направите запис с цялостен бенд?
Изкушението да искаме да “облечем” песните си е реално и потенциално скъпо. Факт е, че нищо не звучи толкова добре, колкото “живото” изпълнение. Дали за песента ви обаче, това е най-важното нещо? Запитайте се дали “целта оправдава средствата”. Разбира се, има няколко добри причини да направите пълен запис, който да оправдае разходите. Например филм, където изпълнителят участва в сцена, в която се представя не само песента, а и звука. В противен случай бих ви препоръчал да смятате за оптимален и висококачествен запис комбинация от два-три инструмента (китара, пиано, перкусия) и вокал. Това е напълно достатъчно, за да представите професионално своята мелодия и текст. Също така не забравяйте, че винаги можете да добавяте допълнителни инструменти на по-късен етап.

6. Сметнахте ли колко ще ви струва ориентировъчно записа?
Когато избирате студио и планирате сесията си, не пропускайте да се запознаете с тарифите на студиото и музикантите, които ще участват в сесията. Понякога часовата ставка за студиото не е единствената цена, която ще трябва да заплатите. Още повече ако изискате да се наеме и използва специфичен инструмент или оборудване, с което в студиото не разполагат. Обсъдете всички аспекти, за да сте наясно какви ще са разходите ви. Често разговорите за пари са неудобни, но ако третирате това, което правите, като бизнес, то това е от съществено значение. Винаги е по-добре да имате пълна яснота за разходите, които ще направите за предстоящата сесия, за да избегнете потенциално неудобни разговори по-късно. Всяко студио би трябвало да може да ви предложи ориентировъчна цена без значение какъв тип ценообразуване има. Обсъждането на цената в аванс е чудесна рецепта за приятна и ползотворна сесия, без да се разсейвате от не-музикалните неща. Музикантите? Ако използвате в сесията професионални изпълнители, което е най-добрият вариант за песента ви, ще се наложи да се договорите с тях предварително за  хонорарите им. И не забравяйте “евтиното винаги излиза скъпо!”.

В нашата страница в раздел сесийни музиканти, можете да разгледате профилите на различни изпълнители. Всички те са много добри и могат да изпълнят професионално музикалните партии с подходящ за демото инструмент. За целта ние разполагаме с богат набор от класни инструменти. Освен тях, изпълнителите също разполагат и са оборудвани с чудени инструменти. Така, че остава само да решите как искате да звучи демото и какъв инструмент е нужен.   Решението да запишете демо на някоя от песните си никога не бива да бъде взето с лека ръка. Предстои да материализирате идеята си. Както я запишете, така тя ще бъде представена и ще бъде слушана занапред във времето. Самият процес може да бъде много забавен, особено ако сте отделили време, за да се подготвите правилно и да си “напишете” домашната работа. И в заключение една студийна поговорка 🙂 “По-добре е да се подготвиш и да предотвратиш, отколкото да поправяш и да се каеш!”
Няма как да не се съгласим с това ….

 

Вижте също и: 5 основни правила при запис на демо
Вижте също и: 7 неща, които бихте искали да знаете преди да запишете първия си албум
Вижте също и: 4 важни неща, които е добре да знаете преди да влезете в звукозаписно студио без продуцент
Вижте също и: Когато по-малко означава повече: 3 причини, поради които по-семплият аранжимент звучи по-обемно
Вижте също и: Как да изберете звукозаписно студио, което е най-подходящо за вас
Вижте същи и: 10 неща, които трябва да знаете когато влизате в професионално звукозаписно студио

Няма сложни и прости неща. Обяснението за тях ги прави такива.

Аудио компресорите имат за цел да оптимизират нивото на сигнала по време на запис или след това. По този начин слабите нива стават по-силни, а силните по-слаби.

Принципът може да бъде обяснен и по забавен и интересен начин така. Представете си, че свирите на китара. Китарата е включена в усилвател. Вашият приятел – Антон П. Иванов (API) решава да ви помогне и с лявата си ръка хваща потенциометъра за регулиране на нивото на звука на усилвателя, а с дясната си ръка хваща потенциометъра за изходното ниво към говорителя. Започвате да свирите и той се опитва, когато свирите тихо да усилва сигнала, а когато свирите силно да го намаля. Целта му е да се получи едно по-балансирано ниво на сигнала на китарата като цяло, а не да има места, където е много по-силна от другите.

Дотук целта е ясна. При компресорите този потенциометър, който отговаря на нивото на звука (този, който Антон върти с лявата си ръка) се казва Treshold или казано разбираемо – праг на нивото на звука, от който сработват другите функции на компресора. Скоростта, с която Антон успява да намаля нивото на сигнала при компресорите, се нарича Атака, а скоростта, с която той връща обратно нивото след като “нормализирате” нивото си на свирене, се нарича Release, т.е отпускане. Този потенциометър, който Антон върти с дясната си ръка за изходното ниво се нарича MakeUp Gain т.е нивото, което излиза към говорителите. Има и един параметър, който е Ratio, т.е съотношение.  Ако сте казали на Антон над определена сила да намали до определено ниво, а иначе да не намаля, това е Ratio 1:1, т.e. той не намаля колкото и силно да свирите. Ако обаче сте му казали над определена сила да намали потенциометъра на половина примерно от 10 на 5 тогава Ratio e 2:1. Съответно 4:1 е, ако намали от 10 на 2,5 и т.н.

Всъщност работата на компресора като принцип е нещо такова, но е малко по-особено, защото в случая Антон намаля силата на целия сигнал, докато компресорът намаля звука само над това зададено ниво. Т.е. когато свирите със зададено ниво 5, ще се запази всичко, което е до него, а ще се намалят до това ниво само силните пикове над ниво 5. Освен това скоростта, с която Антон започва да завърта потенциометъра, може да бъде много рязка или да бъде относително плавна. Този параметър в компресорите се нарича Knee – в превод като коляно. Може да бъде твърдо или меко.

Сега обаче както всеки си има особености Антон не е толкова бърз колкото ни се иска и повикваме Стефан С. Лазаров (SSL). Той е по-бърз от Антон при намалянето. Но пък си има други особености, когато работи с потенциометрите.

Така на практика различните производители като API и SSL, Neve, Tube-Tech, Teletonix чрез произвежданите от тях модели компресори дават на потребителите технически различни възможности.

Няма универсален компресор. Има няколко основни типа компресори.

FET – Field Effect Transistor. Той е базиран на един от най-легендарните компресори в историята …. на компресорите 🙂  Най-легендарният модел е на UREI – 1176. (Вече собственост на Universal Audio).  Най-бърз от всички останали видове. Рязък и директен. Когато във звука е нужен пънч.

OPTO – базиран на оптичен елемент. Той е по-бавен и често се използва в паралел, когато е нужно да дава усещането за “напомпване” в бекграунда. Най-легендарният модел е на TELETRONIX LA-2.

VCA – Voltage Controlled Amplifier. Бърз и прозрачен. Не “оцветява” звука като другите компресори. Когато е нужна компресия без добавяне на “характер”, това е идеалният вариант. Най-легендарният модел от този тип е може би DBX 160A.

Има безбой много марки модели и видове компресори. Някой от тях имат други опции, които дават различни технологични характеристики и предимства. Примерно функцията Look Ahead разделя сигнала, изкривява едната част без да я компресира и я смесва с другата компресирана част. Така могат да се предотвратят някои изкривявания на звука, причинени от бързата атака и Release. Някои компресори дори могат да игнорират определен спектър от звука. Примерно ниските честоти не се компресират и действието на компресора влияе само на останалите. 

Side Chain дава възможност на друг аудио сигнал да контролира параметрите на компресора.  Така примерно може да се направи когато бас барабанът (касата) удари, басът да намали нивото си. Много често използван трик в денс музиката.

Лимитерите са разновидност на компресорите. Технически те са компресори с малко по-различни параметри. Атаката при тях е много бърза, Ratio-то е 1 към безкрайност, а параметърът Release е много бърз. При тях целта е да се повдигне цялостно нивото на сигнала като се лимитират пиковете при това повдигане. Те са най-често използваното оръжие в т.нар. Loudness war :).

В наши дни от музикантите се очаква да се занимават със собствената си продукция. Маркетинг, ПР и всичко свързано с тяхната реализация на музикалния пазар. Отдавана отмина времето, в което продуценти от A&R откриваха сурови и нешлифовани таланти и ги превръщаха във велики имена в музикалния бизнес. Не стига, че запис на демо в онези дни си е било толкова трудно изпитание, ами се е налагало изпълнителите сами да търсят начини за неговото популяризиране.

Днес има много улеснения, които предлагат автоматизирани решения на някои процеси и отговорности. Но въпреки това те не могат да направят всичко. Все още се нуждаете от стратегия и планиране, за да знаете как да предложите най-ефективно музиката си на света.

Много от музикантите се предават в тази борба. Но ако искате да станете и да бъдете успешен артист, по-скоро трябва да изместите фокуса си от безцелната и ненужна борба в друга посока. Да си дадете сметка за това, кой сте и какъв сте вие. Какво точно искате да постигнете? Следвайки тази стратегия означава, че по някога може да се наложи да правите неща, които много не ви се правят.

Тайната да запишете и изпратите перфектното аудио демо изобщо не зависи от вашия талант, нито от това колко много искате това и се стараете да го направите. Тя по-скоро е в способността да мислите и действате извън рамката, в която мислят и действат типичните музиканти. Трябва да мислите като собственик на бизнес. Мислете за вас като за творчески предприемач. Като такъв, вие трябва да оформите и поемете пътя към вашето бъдеще в тази насока. Трябва да вземете някои решения, както и да направите някои компромиси.

Ключът е в постоянството. И не само. Трябва да сте в подкрепа на самите себе си. Разбира се ще има и трудни моменти. Къде няма такива? Но тогава е добре да си напомняте, че сте на прав път и  не бива да се отказвате по средата на това, към което сте се устремили.

Когато сте на етап да популяризирате себе си като творец или изпълнител (а защо не и двете), важно е да знаете как да маневрирате около продуценти, блогъри и техните интереси.

Музикантите, които подхождат прагматично и прегръщат идеята да се популяризират като мислят за себе си като бранд, а за музиката като бизнес, често имат по-добра представа как да подготвят и изпратят “идеалното” демо. Това демо може да успее да направи впечатление и да донесе нужния ефект на артистите. В противен случай е поредното демо и поредното разочарование.

Всъщност е много просто. Изяснете си защо правите всичко това. Ако отговорът е “за удоволствие”, тогава просто затворете тази статия и намерете нещо по-приятно, с което да запълните времето си. Защото това, което пише в този пост, не е за вас и вероятно не ви интересува. Ако обаче искате да постигнете нещо с музиката, която изпълнявате и композирате, тогава съгласете се, че ако продавате домати, не трябва да се сърдите на никой, че не идва да купува от вас, ако ссергията ви е на неподходящо, макар и най-любимото за вас място. (Примерно на тучна поляна в Родопите 🙂 ) Освен това ако предлагате сорт домати, който е много вкусен, но е нов и непознат на пазара, ще отнеме известно време докато клиентите ви научат за него.

Тук не се опитвам да кажа, че трябва да продавате това, което всички продават, където го правят те. Вашите уникални “домати” са вашите идеи по начина, по който искате да ги презентирате. Но тук идва и въпросът, че дори и най-доброто демо трябва да се пусне на правилното място в правилното време на правилните хора.

Възползвайте се от хитрите стратегически тактики на хора, които се занимават с маркетинг и продажби на услуги и продукти. Всяка интересна идея приложена успешно в друг бранш, би проработила и в музикалния, стига да се адаптира и изпълни добре.

Да предположим, че сте направили убийствено демо и сте готови да го изпратите на лейбъли, блогъри, на света. Има четири неща, които трябва да направите, за да мислите и действате по-скоро като шеф на бизнес, когато представяте вашата музика.

 1. Установете ясно целите си и сроковете за тяхното постигане!

Може да е трудно да отговаряте и пишете писма, да водите разговори и да поддържате и осъществявате нови контакти докато се грижите за формата си в музикален, а защо не и физически аспект. Ако работите в кръгове, които се опитват да организират тези неща вместо вас, това може да ви даде безпокойство и усещането, че губите контрол върху нещата и не знаете какво, кога и къде се случва.

Опитайте се да направите график на нещата, които искате да се случват следващите 3, 6, 9 и 12 месеца. Започнете с главните цели и продължете да ги детайлизирате на по-малки и още по-малки цели и задачи. Направете ги визуално в списък и редовно ги проверявайте. Може да ви се струва трудно да държите такива списъци със цели и задачи на показ в близост до вас, но това е от съществено значение за вашия успех.

Ето примерен начин, по който можете да създадете един такъв списък. Всеки елемент от него трябва да има ясен краен срок, написан срещу него.

 ЦЕЛ 1
Етап 1
Задача 1
Задача 2
Задача 3
Етап 2
Задача 1
Задача 2
Задача 3
Етап 3
Задача 1
Задача 2
Задача 3
и т.н

2. Определете основните си целеви аудитории.

В маркетинга и бизнеса преди да създадете кампания или бизнес план, трябва да мислите за хората, към които ще е насочено това послание. В този случай не мислете за аудиторията си като феновете или общите си слушатели, а за хората, на които изпращате демото си, до продуценти, блогъри, радио DJ-и и т.н. Опознайте тяхната среда, какво ги мотивира и какви са техните интереси. Пред какъв вид отговорности и предизвикателства са изправени? Как можете да направите живота им по-интересен? Опознайте ги, разберете техните болки и приоритети и намерете творчески начини да се свържете с тях.

3.     Бъдете преднамерени в съобщенията и посланията си.
Изпадали ли сте в ситуация, в която комуникирате с продавач, който следва точно протокола и изобщо не се интересува от персоналните ви желания и проблеми? Доста дразнещо нали?
Така гледат хората на мулти мейл маркетинг съобщенията, които получават ежедневно. Ако напишете писмо и добавите в списъка 20 получателя, шансът да получите внимание и отговор от тях спада 20 пъти.
Отделете време и се опитайте да имате персонална насоченост към всеки един получател. С инструменти като DropTrack можете лесно да персонализирате демото си и да го рзпространите лесно. Не забравяйте да сте преднамерени и да вкарате едно закачливо послание … примерно: “Хей, при нас таланта не ни пречи, а по скоро ни помага :)!” или “Ако мислите, че досега всичко е изсвирено … просто чуйте това…!”
Дори и малко самохвално, никой няма да ви се разсърди. По-скоро провокативните послания ще привлекат интереса, отколкото “мижавите”. Ако сте традиционалисти, не очаквайте нищо освен традиционното отношение … 🙂

4.  Музиката е на първо място.

Без значение колко и какви бизнес съвети ви даваме, ако в крайна сметка действията ви по представяне на демото не са подкрепени с добре звучащи интересни идеи, всичко губи смисъл. Като бизнес предприемач в начинанието си, трябва да се погрижите вашия продукт известен още като “ДЕМОТО”, да звучи супер. Ако и идеите са такива … нищо не може да попречи на това да изпълните плана си. Но ако след най-добрия маркетинг и прехвалени слова тръгне едно “гадно мазало” … тогава сте прецакани и никой не е виновен. А да … сещам се за някой, но няма да ви кажа кой е, за да не го набиете 🙂

Направете проучване и се уверете, че внимателно сте обмислили как и защо изпращате демото си на лейбъли, продуценти, блогъри и т.н. Направете го семпло и тактично, но творческо и преднамерено.  

В заключение ще споделим една тема, която беше загатната в друг пост, а именно за популярността.  

Тенденция е все повече артистите да се занимават с това как да станат и да поддържат популярността си, отколкото да правят музика. Това изместване на фокуса е краткотраен положителен ефект, който бързо отшумява. В дългосрочен план обаче, изважда артиста от основното му амплоа, да прави музика.

Ако участвате в различни формати и предавания само, за да получавате популярност, но не са свързани с музикални изпълнения, тогава е време да преосмислите приоритетите си и да се фокусирате. Хората, които искат да ви слушат, само ви гледат. Откъде да знаят, че все още правите музика? А те са ви харесали именно заради това ви качество … и по-вероятно заради самата музика.   

Друг интересен феномен е когато един музикант участва паралелно в няколко групи.

Това ме подсеща моментално за един случай, при който в двора на една къща, вероятно като фамилни бизнеси, хората имаха 2 търговски обекта. Единият беше транжорна, а другият беше погребално бюро. Не знам как са приемали клиентите им този факт. Може би за някой това не е имало значение. За радост единия бизнес го прекратиха и в момента са преуспяващи в продажбата на кебапчета.  

Вероятно примерът е твърде брутален, но е подобно, ако участвате в пънк и блус група. Проблемът не е нито при вас, нито при групата, нито при феновете. Той застава по средата. Феновете не приемат добре такива мулти колаборации. В техните представи идеята за групата или артиста като отдаден на 100% на това, което прави, ги кара да са ревностни почитатели и да го идеализират. Когато “предавате” групата си като започвате “връзка” с друга група, означава, че предавате тях.  

Все едно китариста на любимата ви група да запълва време в друга, която тотално не харесвате. Кой има проблем? Всъщност вие сте фен, но и двете групи ви губят постепенно и безвъзвратно. Изглежда, че те имат проблем.

Така, че към ключът за постоянството трябва да добавим и фокуса като много важен фактор за успеха.  

Ако правите музика за себе си и за близките си, няма проблем. Но когато имате бизнес очаквания, трябва да имате бизнес подход.  

Друг много основен модел е, че когато искате да се “продадете”, никой не иска да ви купи.
За да поискат да ви купят, трябва да спрете да се “продавате”.   

Когато едно нещо стане лесно достъпно и само ви “идва в ръцете”, разбира се, че за вас то губи стойност и нямате интерес. Ако обаче това “нещо” провокира интереса ви и е труднодостъпно, тогава започвате да го искате.

Примерът с обувките… Ако си купите два чифта обувки и те са напълно еднакви, но едните струват 20 лева а другите 200, вероятността да харесвате повече скъпите е много голяма. А те са еднакви ….  

Демото е трамплин, на който можете да скочите и да полетите към музикалния бизнес. Важно е дотолкова, че да представи вас и идеите ви най-добре. Демото обаче като краен продукт не е достатъчно да ви заведе там без да минете по трудния път! 

То пък, като че ли има лесен … 🙂

На всяко записано музикално произведение съществуват два отделни елемента, които могат да бъдат защитени с авторски права:

музикалната творба (писмено описание на аранжиментите в ноти и текстовете) и звукозапис (физически запис на изпълнението на тази песен).

Така че, ако записвате кавър версия на песен на група Х, вие сте създателят и собственикът на звукозаписа, а група Х е собственикът на основната музикална творба. Това е достатъчно просто разграничение, и нещо, което е от съществено значение за разбирането на основната концепция на музикалните авторски права и музикалния бизнес като цяло.

Например, организациите за упражняване на права (ASCAP, BMI, SESAC) и Агенцията “Хари Фокс” ще събират и разпространяват възнагражденията за вашите музикални произведения. За разлика от тях, организацията с нестопанска цел SoundExchange ще събира и разпространява възнагражденията ви за дигиталните възпроизвеждания за звукозаписите ви (разбирайте възпроизвеждането на вашите парчета на Pandora и сателитни радио станции).

Когато регистрирате музикални авторски творби в Службата за авторски права (Copyright office), вашите музикални произведения ще бъдат публикувани и включени чрез форма за авторски права (PA copyright form), а звуковите записи ще бъдат регистрирани с форма за авторски права на SR copyright form.
И двете форми са формуляри за регистрация, които се попълват и подават към Службата за авторски права.
Със символа © може да съобщите на света за собствеността си върху музикална творба. Авторските права върху записа на звука се маркират със символ ℗.

Трябва ли да направя нещо, за да имам авторско право върху звукозаписа или музикалната си творба?
Не. От юридическа гледна точка, оригиналното произведение е защитено с авторски права, когато е “фиксирано в осезаема среда на изразяване”.  Какво означава това на разговорен език? Вашият оригинален материал е защитен с авторски права в момента, в който го записвате на нотния лист, записвате го във вашия iPhone, редактирате го и т.н. Не е нужно да регистрирате творбата си в Службата за авторски права, и да поставите © до заглавието на песента на вашия нотен лист, или да си изпратите копие от записа на вашата електронна поща, за да имате валидно авторско право.

Трябва ли дори да се занимавам с регистрирането на песните си в Службата за авторски права?

Да! Подаването на музикалната творба или звукозапис в Службата за авторско право ще ви даде добри опции като собственик на авторските права.
Ето някои стимули: ако подадете попълнен формуляр за авторски права в рамките на три месеца след издаването на вашата творба и се регистрира нарушение на правата ви, можете да си възстановите адвокатските такси до 150 000 долара при законоустановени щети за нарушение. Подаването също така ще изясни факта, че вие сте истинският собственик на произведението. На регистрацията може да се погледне и като вид застраховка срещу евентуално бъдещо неразрешено използване на вашата творба. Своевременното регистриране може да уреди във ваша полза финансовата приложимост на делото при нарушение на авторските ви права.
Регистрацията е сравнително евтина ($ 55) и може да се направи онлайн. В много случаи един регистрационен формуляр може да обхваща много произведения.

Има ли нещо, за което трябва да мисля, когато правя музика съвместно с някой друг?

Законът за авторското право има някои специални правила за съавтори. Когато двама или повече души съвместно работят с намерението да напишат песен, обикновено те са собственици на композираната музикална творба. Законът за авторското право разглежда това като съвместна творба. Като съвместни собственици, авторите могат да експлоатират музикалното произведение по известни начини (например да ползват песента във филм или реклама), при условие, че плащат на своя съавтор дял от таксите. Обърнете внимание. Всеки съавтор може самостоятелно да лицензира песента без да е получил разрешението на другия!

Трябва също така да знаете, че в ситуация, в която единият автор допринася за определена част от композицията – например текстът – текстовете остават съсобственост на музикалната творба, дори ако те по-късно бъдат премахнати. Въпреки че правилата за авторските права при създаването на съвместни произведения са принципно ясни, по-добра идея е в този случай съавторите да сключат писмено споразумение за сътрудничество. Това важи особено в случаите, когато желаете различно поделяне на таксите или правата за кандидатстване.

Всичко, което трябва да имате предвид, когато записвате и пускате кавър?

След като изпълнителите пуснат своите музикални произведения, всеки може да създава и разпространява собствен звуков запис на произведението (т.е. да издава кавър), стига той да притежава механична лицензия и да заплаща на собственика му музикална такса ( В момента на стойност от 9.1 цента за копие от песента). Може би звучи сложно, но всъщност това е доста безболезнен процес, който може да се направи онлайн чрез агенция Хари Фокс или други. След като се обезпечите с този лиценз, не се нуждаете от разрешението на композитора или издателя. И не забравяйте: когато пускате кавър песен, вие сте собственикът на звукозаписа. Можете да се регистрирате в Службата за авторски права. Да спрете неупълномощени дублирания. Можете да събирате такси от SoundExchange за разпространяване. Но този механичен лиценз не покрива синхронизирането на музикалната творба с видео. Какво означава това? Ако искате да направите музикален видеоклип или ако някой иска да лицензира звукозаписа ви за филм или реклама, ще имате нужда от разрешение и синхронизиращ лиценз от композитора или издателя на оригинала. 

Законът за авторските права в областта на музиката може да бъде смущаващ свят, дори и за добре осведомените. Ако искате да навлезете по-дълбоко, е добре да започнете с някои от ресурсите в Службата за авторско право. Относно уредбата на авторското право и сродните му права в България можете да разгледате информацията предоставена на страницата на  организация “МЮЗИКАУТОР“.

Постът се отнася за регистрацията и уреждането на авторските права в Съединените щати, но ASCAP дават възможност на автори и изпълнители от цял свят да се регистрират в тази организация. Така, че няма значение, че авторът е от България. Той може да се регистрира където пожелае. Но все пак, вие преценете какви права уреждат тези организации. Защото когато вие постъпвате като член на такъв тип организация и плащате такси, се очаква да получите определени опции и защита затова. Съответно важи законодателството на държавата, в която е регистрирано това дружество или агенция, защитаващи вашите права. Ако се регистрирате в Съединените щати, а правите музика на бългаски език и тя се разпространява основно в България, регистрацията в ASCAP би ви помогнала, ако изпълнител от Съединените щати наруши правата ви. (От къде този късмет … 🙂 ) Тогава местното законодателство със съдействието на организацията, на която сте член, ще защитава правата ви. Какво се случва обаче, ако не сте член на ASCAP, правите музика на руски и сте регистриран в Руската организация за защита на авторски рава и изпълнител от Съединените щати наруши правата ви? Той всъщност нищо не нарушава, защото вие нямате такива там! 🙂

Малко е странно и объркано. Когато стане ясно какво се случва с музиката след дългия преход към дигиталността, тогава може би трябва да има единна международна организация с единни правила за авторското право. Световната глобализация обаче изпреварва организацията на музикалните права в световен мащаб. Сега все още изглежда, че се обслужват интересите на компаниите, които не се стремят към глобализация на музикалния бизнес.
Доста интересни факти и проблеми на индустрията в този преход са дискутирани в документалния филм на Джаред Лето – “Артефакт”.
Като говорим за индустрия може да звучи малко преувеличено. Нищо подобно. Музикалната индустрия е на второ място по паричен оборот на година след военната … 🙂

Относно уредбата и основните положения на авторските права в България е предвиден друг пост.

При толкова неограничени възможности на технологиите за запис в наши дни и фактът, че голяма част от музиката днес се прави в домашни условия, какво място заема записът на демо? Относителната необходимост от “демо” вече е доста спорна. Освен това качеството на звука, свързано с така нареченото “lo-fi” (демо качество), е било естетически приемливо в продължение на повече от 10 години. Примери: Грег Милнър обяснява в книгата си “Perfecting Sound Forever”, че скъпият албум на Брус Спрингстийн “Nebraska” е бил смесен на домашен стерео радио-касетофон (т.нар дръжкофон) Panasonic boombox, изваден от река Ню Джърси. Изборът да се пусне на световния музикален пазар такъв запис е бил смел през 1982 г., но няма да шокира никой през 2017 г. И все пак, записът на демо е трайна концепция по причини, вариращи от икономически до социални. За някои артисти демото може да служи като примерен продукт, предназначен да се стигне до някой, който може да осигури по-големи ресурси. За други – особено метъл и хардкор банди – демо е първият пропуск за сцената. И в двата случая повечето артисти предпочитат да не поемат тежестта както на изпълнението, така и на записването на техните изпълнения в професионално звукозаписно студио. Така те използват записа на демо в домашно студио, за да чуят и преценят кои от всички идеи си заслужават да бъдат записани в професионалното студио и да бъдат пуснати като сингъл или албум. В края на краищата повечето студия за записване са инвестирали десетки хиляди долари (поне!) в микрофони и предусилватели и (надявам се) хиляди часове в обучение и експерименти как да ги използват. Така че, освен ако не сте автор или маняк (каква е разликата?), тук са пет предложения за това как най-добре да се справите със записа на демото си.

1. Опознайте аудиторията си.

Каква е целта при записа на демо? Да го изпратите до продуцента, с когото ще работите в предстояща сесия с цел да го направите по-запознат с вашата музика? Или изпращате демо на звукозаписни компании или блог с надеждата да привлечете внимание? Що се отнася до изпращането на демо записи към звукозаписни лейбъли, този подход винаги изглежда малко нереалистичен, но от време на време ще чуете истории довели до успех – примерно на Deafheaven с Deathwish Inc., базирана на силно демо. (Забележка: Имаме някои идеи за това как да провокирате с музиката си журналистите.) Така или иначе, всички тези фактори трябва да бъдат взети под внимание при записването на демото ви. Опитайте се да уловите и подчертаете уникалните елементи в песните (ако има такива). Отделете и същото внимание на подреждането на песните в албума. Ясното представяне на вашата музика на желаната от вас аудитория е едно от най-важните неща!

2. Не се престаравайте!

Можете да прекалите като поставите микрофон на всеки отделен барабан, или можете да получите супер добър звук от касата, само с овърхед микрофоните. Помислете за това: опитвате  се да впечатлите слушателите с уменията си за домашно записване или се опитвате да ги впечатлите с песните си? Ако това е наистина демо, по естество това е демонстрация на потенциал и идеи, а не на точност и знания. Разбира се трябва и да има звук така, че да се разбира идеята достатъчно добре. Естествено, в зависимост от жанра, в който свирите, процесът на записване на демо ще бъде различен: някой групите биха могли да го запишат чрез изсвирване на живо, докато други ще го запишат на компютър. В един перфектен свят ще имате неограничено време в студиото, но в реалността не е така. Ако няма да имате време и възможност за детайли в студиото, не им обръщайте толкова внимание и в демото си. Направете го да звучи възможно най-добре и карайте нататък… Не бъдете един от тези неизвестни гении, които не могат да завършат ревизията на демото си години наред J Познавате ли такива?  Вече има толкова добри семпли и библиотеки със звуци, че записът на едни много добри барабани е лесна работа. Освен това, можете да вземете вашите файлове в студиото и ако са толкова идейни детайлите, които сте “забъркали” в демото, лесно могат да се ползват и вкарат в записа.

3. “Отчитай грешката си като скрито намерение.”

Тази фраза е написана на една от известните карти на “Алтернативни стратегии” на Брайън Ино. Всеки път, когато известният композитор/продуцент (U2, Talking Heads, David Bowie) се е озовавал в задънена ситуация в студиото, за да намери вдъхновение и решение на проблема, той е изтеглял карта от тези, които сам е изобретил. (Повече за “Алтернативни стратегии” можете да прочетете в статията – 10 неща, които трябва да знаете когато влизате в професионално звукозаписно студио.)  Това също е добър съвет за всеки, който прави демо запис на песните си. За групи, които записват своето демо на живо (без мултитрак), то може при всяко изсвирване да се различава в някой детайл. Запитайте се когато записвате различните тейкове, кое е това, което прави един от тях по-уникален от останалите? Някой направи ли грешка, която може да е подобрила песента? Записвайки демото, ще имате възможност за първи път да чуете песента си като слушател, а не като изпълнител. Когато слушате, не търсете какво е “погрешно” – слушайте какво е интересно. Това, което сте пропуснали да забележите, докато сте “в песента” и активно свирите.

4. Пазете се от опасността да се опитате да презапишете демото по същия начин и в студио.

Спазването на горното правило трябва да бъде гъвкаво. Когато се откажете от демото и го замените с версията си, записана професионално в звукозаписно студио, трябва да бъдете убедени, че това е възможно най-добрия вариант.
“Привързването” към демото е често диагностицирана болест, от която страдат артистите, когато не могат да възпроизведат определено изпълнение или тон от демото. Когато записвате в студио, вие работите с продуцент, чиято работа е да анализира и пресъздаде механиката на звука. Това е тяхната работа. Да използват ресурсите си, за да получат най-доброто звучене. Демото ви може да има нещо, което вие като изпълнител може да предпочитате, но във ваш интерес е да се доверите на продуцента, да се възползвате от студиото и да не се придържате към специфични детайли от демото. Освен ако не смятате, че можете да го почистите достатъчно, за да влязат тези детайли в албума или не занесете в студиото подходящи файлове, от които те да се добавят в записа.

5. Защо се прави демо?

Като цяло при запис на демо имайте в главата си идеята, че това се прави, за да се чуят няколко основни неща – структурата на песента и стиловата ориентация, звученето на инструментите и вокалните линии. Много често когато слушате демо записа, ви идват идеи, които раздвижват песента динамично, структурно и придават доста по-завършен вид. Бек вокали, сола и перкусии. Неща, за които няма как да помислите, докато я свирите на живо. И точно в демото е мястото, където да се добавят, за да се провери как стоят в песента. Разбира се това може да бъде направено и след записа в студио, но с това добавяне може да са свързани и други добавки основно към бюджета. Не приемайте демото като краен вариант на песента и допускайте, че ще стане много по-добре, когато се запише в звукозаписно студио. Очаквайте да ви дойдат още идеи, които да пробвате и най-важното – не спирайте да се забавлявате! Научете възможно най-добре всичко, което ще изпълните в студиото. Не се притеснявайте излишно от факта, че записвате “албума на века”! Бъдете себе си и всичко ще стане перфектно! Или поне близо до него 🙂

О да! Най-важното нещо…когато запишете демо преди да влезете в студио, ще имате възможност да научите песента така, както слушайки други групи научавате песните им. И тогава когато записвате песента си в звукозаписно студио, ще се фокусирате върху емоционалността на изпълнението. Което всъщност е най-важното нещо във всяко едно изпълнение!

Успех!

Вижте също и: 7 неща, които бихте искали да знаете преди да запишете първия си албум
Вижте също и: 4 важни неща, които е добре да знаете преди да влезете в звукозаписно студио без продуцент
Вижте също и: Когато по-малко означава повече: 3 причини, поради които по-семплият аранжимент звучи по-обемно
Вижте също и: Как да изберете звукозаписно студио, което е най-подходящо за вас
Вижте същи и: 10 неща, които трябва да знаете когато влизате в професионално звукозаписно студио

Процесът на записване и издаване на музика се промени драстично пред последните няколко десетилетия. Това важи особено за независимите артисти. Под независими аз лично разбирам необвързани с договор. От една страна записването и пускането на музикален албум е по-лесно от всякога. От друга страна сега има много по-голяма конкуренция и вие трябва да се понапънете доста, ако искате албума ви да стигне по-далеч от близките ви приятели и семейства.

Независимо дали се готвите да пуснете първия си албум, EP или сингъл, има няколко основни неща, които трябва да имате предвид.

Записването е само едната стъпка

С днешните технологии всеки, който иска да направи и пусне запис, може да направи това сравнително бързо и с ограничен бюджет. В най-обикновено домашно студио запишете всичките си песни, качете ги в SoundCloud или Bandcamp и готово! Току що пуснахте първия си албум!
За съжаление, това е моментът, в който много нови изпълнители смятат, че са готови. Те биха могли да направят няколко публикации във Facebook по отношение на пускането на албума, но те се забиват точно на старта и не знаят защо техният запис не взривява интернет.
Ако просто правите записи за забавление или за да споделяте с приятели и семейство, това е идеалното място да спрете. Но ако всъщност искате да продадете копия и да използвате материалите, за да популяризирате действията си, е нужно да се направи много повече по този въпрос. Процесът може лесно да отнеме от 6 до 12 месеца! Това изисква огромно посвещение на време и енергия, за да направите така, че албумът ви да се откроява от огромната вълна от нова музика, която се пуска всеки ден. Всеки час, който ще посветите, ще се отрази на вашата популярност, имидж, рейтинг и съответно продажби.

Записването не е първата стъпка!

Има много процеси, които се случват при създаването на албум, и голяма част от тях всъщност се случват, преди дори да натиснете бутона за запис.
Ключов фактор, който разделя успешните албуми от общите в безграничният ”океан” от музика, е задължителното планиране. Как ще развълнувате хората с пускането на албума? Къде записвате и кой ще прави звука? Колко ще струва и откъде ще дойдат тези пари? Това са неща, които трябва да се установят колкото е възможно по-рано в процеса, в противен случай бихте могли да се озовете в неочаквано неприятна ситуация.
Ако планирате да направите турне, за да популяризирате албума или дори да издадете CD, трябва да започнете да работите с издатели и други локални банди месеци предварително, за да сте сигурни, че ще получите идеалните дати и места.
Как ще популяризирате албума си след първото му пускане? Опитайте се да планирате цялата си стратегия, преди да влезете в студиото, така че да имате ясен път, който да следвате, когато дойде времето. В противен случай може да се окажете с няколко публикации в социалните медии, но да бъдете затрупани с други задължения за групата и да не намерите нови начини за популяризиране на текущия ви албум.

Предварителната подготовка спестява пари!

Записът в професионално звукозаписно студио е скъпо начинание. Дори и да не сте в студио с големи имена в звукозаписа, то процесът пак може да бъде много изтощително и стресово преживяване. Но ако сте готови на 100 процента преди да влезете в звукозаписно студио, непременно ще спестите много време, стрес и пари. Ако имате дори и най-малката несигурност или пропуск по отношение на някоя част от песните си, бъдете честни и се занимавайте с тези въпроси в репетициите преди записа. Микрофонът е вашият най-суров и най-честен критик. Често пъти незначителните грешки, които правите на концерт или репетиция, ще изпъкнат като „възпален палец“ в студиото и дори ще внесат проблеми в записа. Някои проблеми са незабележими докато не ги чуете на запис. Ето защо създаването на демо е изключително полезно. Докато се приготвяте да влезете в звукозаписно студио, помолете приятел или местен независим инженер да направят бърз и евтин запис на вашата група, като изсвирите целия материал, който ще влезе в записа ви. По този начин ще можете да чуете точно какъв ще бъде записа и да идентифицирате грешките, преди да започнете да харчите големите пари в хубава стая (ако решите да отидете в такава посока).

Избягвайте “блокирането” и преумората чрез график.

Записването е много фокусиран и много изморителен процес и може много лесно да  “блокирате”  в средата му. Това е нещо, което много нови артисти научават по трудния начин.Да предположим, че сте резервирали два пълни дни в звукозаписно студио. Ако се опитвате да планирате нещата, би изглеждало логично да направите всички инструментални парчета за един ден, след това да направите всички вокали, да “доизпипате” с добавяне на ефекти и други довършителни щрихи към парчетата. План като този е рецепта за бедствие.Дори и на най-подготвената група може да отнеме доста време и да е нужен повече опит, за да получи тази магия. Опитвали ли сте някога да свирите една от песните си шест пъти подред без спиране, за да я изсвирите максимално добре, докато сте под натиска на бюджета и крайния срок? Това е стресиращо, а стресът и екстремният фокус могат наистина да ви направят уморени и разочаровани. Оттук нататък спиралата надолу може да бъде голяма. Разочарованието и изтощението обикновено не помагат  да дадете най-доброто от себе си.Когато програмирате записа, опитайте се да подредите нещата по начин, който ще позволи на всички да направят почивки. Въпреки че може да се наложи да резервирате допълнително време в звукозаписното студио, резултатите, които ще получите, ще направят голяма разлика в качеството на записа.

Вашият екип е всичко

Има много хора, участващи в създаването на записите. Разбира се, основно сте вие и вашата група. Но може да има и инженери, продуценти, музиканти за сесията и мениджъри, които имат влияние върху крайния продукт. Колкото по-добър е екипът ви, толкова по-добри резултати ще постигнете. Изберете инженер внимателно. Ако влезете в звукозаписното студио и планирате да използвате собствен инженер, опитайте се да проучите възможностите и да изберете и поканите този, който смятате, че най-добре ще пасне на групата ви и ще свърши най-добре работата. Това е особено важно, ако оставяте тракинга и миксирането на “домашния” инженер. Въпреки че всеки служител на професионално звукозаписно студио трябва да има достатъчно компетентност, за да направи така, че групата ви да звучи добре. Това не означава, че неговият личен стил ще отговаря точно на вашето виждане. Ако сте соло изпълнител или група, в която работят музиканти за сесията, уверете се, че изпълнителите, които ползвате, са добри и свирят в стила, в който записвате. Плащането за по-добри музиканти всъщност може да ви спести пари в дългосрочен план, защото по-евтините може да ви струват повече в студиото.

Планирайте своите последващи действия своевременно.

Имате целия си живот, за да създадете магическия дебютен запис. Но след като го пуснете, трябва да действате бързо, за да задържите интереса към групата ви.Макар че моделът с пускането на един албум в годината може да не е за вас, важно е да имате някаква съгласуваност на скоростта, с която пускате нова музика. Ако са ви нужни 10 години, за да завършите всички песни от първия си албум, сигурно вече са ви забравили. Ако толкова време ви отнеме пускането и на следващия албум! Не спирайте да правите нови идеи докато представяте първия си албум, и се опитайте да не изоставате в процеса на писане на следващия албум.

Ритмика на издаването

Съвременните медии създават и владеят ритмиката на издаване на албуми. Преди, когато имаше материален носител, той определяше продължителността на албума. А ритмиката като неписан закон беше годината. Всеки помни как албуми на велики банди се асоциират по-лесно с годината отколкото с името на албума. Постепенно синглите взеха превес и артистите започнаха да пускат музика доста по-често на по-малки “порции”. Така по-често напомнят за себе си и стоят в зоната на интереса. Сега всичко изглежда е ориентирано към пускането на единични песни. От финансова гледна точка това е и по-рентабилно, защото бюджетът се фокусира върху конкретната песен. Прави се клип, рекламира се в медии. Така пускането на една песен е процес по правенето точно на нея, без съобразяване как ще звучи в албума заедно с останалите. Има дори тенденция да се прави сезонна песен. Новият “летен хит” на изпълнителят Х му носи бърза популярност като парчето му се върти навсякъде. Ех .. тази популярност!
Има и една друга тенденция, която е тема на съвсем друг пост. Тя е, че изпълнителите все повече се занимават с това да стават “популярни” отколкото да правят музика.

Вижте също и: 10 безплатни маркетинг стратегии, които вашата банда може да ползва!
Вижте също и: 4 вжни неща, които е добре да знаете преди да влезете в звукозаписно студио без продуцент
Вижте също и: Как да изберете звукозаписно студио, което е най-подходящо за вас.

Музикално продуциране
Този израз предизвиква въображението и изплуват митичните картини и образи на сър Джордж Мартин. Завъртат се около легендарното Abbey  Road или Phil Spector, провеждащ запис на огромен оркестър. По онова време понятието “звукозаписен продуцент” се е отнасяло до лицето контролиращо завършването на музикалния продукт. Предвид днешното многообразие на създаване и записване на музика, тази проста дефиниция се е разпаднала и объркала. Така че е необходимо внасянето на повече яснота относно съвременната роля, отговорности и задължения на музикалния продуцент.

“ПРОДУЦЕНТ” – Дефиниция
Според изпълнителските права на организация BMI, “Продуцентът” при записа е като режисьорът във филмовата продукция. Когато става въпрос за създаване на филм, режисьорът управлява всичко – работата на снимачната площадка, комуникира с актьорите, техническите работници, сценаристите, и се грижи за постигане на цялостна и завършена визия на филма. Напълно същият смисъл се влага в ролята на продуцента, когато става въпрос за звукозаписи. В музикален аспект продуцентът трябва да има опит и рутина да взема стратегически важни решения относно смесването от аудио инженерите. Да “изчисти” аранжиментите на песните и заедно с изпълнителите да подредят песните в подходяща последователност. Освен тези качества е необходимо да притежава и определени финансово аналитични умения, за да управлява бюджета. Да намира подходящи студиа и да договаря и подписва договори. Накратко, продуцентът ръководи целия творчески процес, изпълнявайки ролята на мениджър на проекта от части като творчески консултант и от части като музикален изпълнител.

Ролята на продуцента в аудио звукозаписния процес
В най-общия смисъл продуцентът трябва да разполага с набор от технически умения, както и със способността да погледне проекта “отстрани”, за да помогне и ръководи “правенето” на саунда и специфичния облик на звученето на песента и артиста. Трябва добре да усети нюансите и да съчетае енергията на песента с тази на изпълнителите. Така да успее да аранжира звуците и да степенува динамиката и звуковите картини, че да предаде художествена стойност  на проекта. Същевременно продуцентът трябва да е добре запознат със звукозаписния процес. Намирането на подходящото аудио звукозаписно студио с подходящо оборудване и подходящи стаи за запис са от съществено значение за крайния резултат и микса на албума. Нещо повече, по време на изпълненията той трябва да напътства музикантите да възпроизведат “правилните” звуци независимо дали става въпрос за инструмент или глас.

Така продуцентът става част от изпълнителите в песента като вещо и съзнателно ръководи посоката на записа към идеята, която има за постигане на конкретен резултат.

Разбира се ролята на продуцента може да варира в зависимост от вида на проекта и изпълнителите. В толкова голямото разнообразие от жанрове и музикални стилове, изпълнителите имат различни нужди.

Според музикалния продуцент Дони Бейкър, “Музикалният продуцент е нает заради неговите идеи във вашия музикален стил”. Това на практика означава, че често продуцентите са специализирани да работят и продуцират само определени стилове музика. Тази специализация и опитът, който са придобили, фокусирайки се в конкретни стилове, ще ги направи желано стилистично допълнение към даден проект, който е в техния ресор. Например понякога групата се нуждае от някой, който да допълни инструментално идеите, докато в други случаи те ще искат пълен контрол в този аспект.

Добро обобщаващо мнение за фигурата на аудио продуцента дава Фик Ек: “Един добър продуцент се съгласява с това, което е най-доброто за групата и помага да извлече най-доброто и да го направи по най-добрия начин, за да се представи групата най-добре. Дали това е идеята на продуцента или не, това е правилната креативна посока!”.

Възходът на цифровите аудио студиа и продуцентската роля.
В миналото един аудио продуцент би изпълнявал тези функции в рамките на проект, предназначен за издаване от звукозаписни компании и би получил ангажименти за студийни проекти, обвързани с конкретни срокове. Какво се случва обаче в променената аудио цифрова среда, когато цялото студио е в един компютър,  и липсата на модела на типичното аналогово студио променят доста функциите и ролите на продуцентите?

Отговорът, както може да се предположи е доста сложен и води до фрагментиране на това, което традиционно би могло да се счита за звукозаписен продуцент. Това дава повод и за доста разгорещени дебати в рамките на музикалната общност. Но в много отношения, ролята и функциите на аудио продуцента са все още сходни, а разликите се свеждат до едно ключово различие: бийт-мейкър срещу звукозаписен продуцент.

Бийт-мейкър срещу продуцент?
С  прости думи разликата между тези две фигури е подобна на разликата между старомоден сонг-райтър (композитор) и звукозаписен продуцент. Първият отговаря само за написването на песента, която ще бъде записана в студиото от изпълнителите. (Това все още съществува като схема на работа, но само в най-горните нива на музикалния поп бизнес). Аналогията е, че бийт-мейкърът създава ритъма или идеята на песента като основа, която после се продава или става основа за песен на изпълнителя. В последствие тази песен, изпълнена от музикантите и ръководена от продуцент,а се превръща в пълноценна песен.

Въпреки това, в настоящата DAW среда и съвременния начин на композиране и звукозапис, това разграничение става доста неясно за функциите на продуцента. Примерно каква би била ролята на продуцента на хип-хоп албум, за който музиката е композирана в DAW, артистът е подготвил всички бийтове и песните са почти готови. Продуцентът трябва да обедини всичко и да добави вокалните линии, като част от тях е възможно да са предварително записани и изпратени от другаде. Фигурата на “Продуцента” сега е една съвкупност от бийт-мейкър, композитор и продуцент, всичко в едно. Съществува и дори по-комплексна ситуация, когато “Бедрум продуцент” – изпълнител Х сам, използвайки готови библиотеки от бийтове, семпли, софтуерни синтове и ефекти, композира, записва, изпълнява, смесва и продуцира песните в DAW.

Как можем да разплетем и изясним тази объркана система от термини и функции? И има ли изобщо смисъл да го правим? Заплащането на хонорарите в музикалната индустрия са много важни. (Разбира се не само там :)) Заплащането за свършената конкретна работа се разграничава по функционалността в работния процес, по правенето и завършването на песента или проекта в зависимост от това дали сте изпълнител, композитор, продуцент или мениджър.

В крайна сметка, разграничението между производителя на бийтове и продуцента се свежда до това, че първият прави бийтове и основните идеи за песни, и ги продава на други изпълнители. Продуцентът дори и да прави началните идеи на песните, има виждане за крайния завършен продукт. Той продължава работата с изпълнителите и ръководи процеса докрай. Ако изпълнявате целия процес от създаването на идеята до пускането й в готов вид на пазара или в публичното пространство към слушателите, то тогава вие сте продуцент. Може би в този пример, продуцентът (ако не е част от групата) също участва в композирането на песните, но и продължава да ръководи целия процес до краен продукт.

Така казано, продуцирането е по-достъпно от всякога, но правенето на един бийт в Ableton не води до постигането на завършен продукт. Предизвикателството все още е налице и предстои да разберем как ще се развият нещата. Можете ли да композирате, аранжирате, записвате, смесвате и мастерирате свой собствен продукт или с помощта на екип изпълнители? Това изглежда като следваща стъпка и дефиниция на бъдещата роля на продуцента.

Вижте също и: 4 важни неща, които е добре да знаете преди да влезете в звукозаписно студио без продуцент

Все по-често независими артисти с ограничен бюджет се насочват към студиа от висок клас. Как си го позволяват? Често като се лишават от фигурата на продуцента и така “спестяват” средства в името на по-добрия продукт. За тези, които имат опит и са наясно какво правят, това е добър ход, за да получат най-доброто за своите проекти.

Често обаче когато изпълнителите играят ролята и на продуценти, губят прекалено много време във вземане на решения и не могат да се съсредоточат върху създаването на музиката.

Ако планирате да бъдете в такава ситуация и да изпълните функцията и на продуцент когато записвате в професионално звукозаписно студио, използвайте тези основни правила, за да получите оптимални резултати.

Основен аранжимент на инструментите.
Това, което наистина помага на инженерите в студиото е да познават основните инструменти в съдържанието на песента. Процесите по подготовка и инсталиране отнемат време. Барабани, китара, бас. Особено когато музикантите трябва да са заедно и се записва едновременно. Всеки запис както и всяка песен имат доста особености. Група от 10 изпълнители на салса е нещо съвсем различно от струнен квартет.  Най-вероятно инженерите в студиото ще поискат тази точна информация на сесията. Ако я получат, това ще помогне много на процеса и инсталацията да се оптимизира. Също така имайте възможно най-ясна представа за всички допълнителни инструменти, които мислите да добавите към записа. Ако смятате, че джембе, кахон или клапсове ще звучат добре в песента, кажете на инженерите да предвидят записването на тези инструменти. Може и да не ви хареса как се получава в песента. Но пък пробата ще ви даде възможност да чуете и да решите. В противен случай оставате с усещането, че не сте довършили песента и сте направили компромис.

Референтни записи.
Въпреки, че звукът на песента може доста да се промени при смесването, е важно да се стремите към конкретно звучене още от самото начало. Неща като правилното позициониране на микрофоните или избора на точния инструмент с конкретно звучене могат тотално да променят песента в посока, която дори и при смесването не може да се промени. Като съвет – ако идеята за песента ви е дошла свирейки я с определен инструмент, започнете търсенето на звука в студиото първо с него.
Преди да влезете за записи в професионално звукозаписно студио се опитайте да намерите запис на песен, който се доближава най-много до начина, по който бихте желали да звучи вашата музика. Може да използвате и няколко различни записа. Примерно в една песен харесвате как звучат барабаните, в друга китарите, в трета вокала. Това е един много добър начин да опишете желанията си на инженерите в звукозаписното студио. Те от своя страна лесно ще разпознаят как e постигнат този звук и ще се постараят да изпълнят очакванията ви. Тези референтни записи са от много важно значение, тъй като с тях ще спестите време и много разочарование и догадки на инженерите.

Звукозаписният процес.
Опитайте се да уточните как искате да протече звукозаписната сесия преди да влезете в студиото. Дали заедно ще записвате няколко инструмента или в някаква комбинация. В какъв ред искате да бъдат записвани. Това са важни и трудни решения, от които обаче зависи гладкото протичане на сесията и респективно качеството на записа. Това можете най-добре да прецените когато правите в домашни условия демо записите на песните. Там най-лесно ще усетите кое е най-подходящо за песента, как точно да представите по най-добрия начин нейната енергия и същност.  Дори репетирането на песните самостоятелно или в групи от по двама или трима музиканти ще ви дадат по-ясна представа за това, кое е по-добро за нея. Знаейки тези особености при влизане в студио, ще сте много по-оптимизирани и конкретни в изискванията и решенията си.

Описание на структурата на песните. Примерен вариант на описание можете да видите тук.
Ако нямате техническа възможност или познания да направите това в електронен вид, ръкописно на лист хартия върши същата работа. Шаблон на таблицата за описание на песен можете да свалите тук. Опишете структурата на песните, акорди и каквото друго прецените, че може да улесни комуникацията между вас и инженерите в звукозаписното студио. Примерно искате да запишете предпоследния бридж. Ако тон режисьорът има схема пред себе си, би се ориентирал доста по-лесно къде е мястото по време на запис. В противен случай взаимно губите време в лутане и отгатване. Ясната комуникация е основен компонент на продуктивността в студиото. С точното описание на вашите песни, ще направите грешките много по-малко, а работата много по-лесна както за инженерите в студиото така и за групата.

Вижте също: Какво точно би трябвало да означава музикален продуцент в наши дни